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Les membres invités de la semaine de la haute couture 2025

By on 25/04/2025

Dans le monde très fermé de la haute couture, certaines maisons sont invitées à défiler aux côtés de celles labélisées. Classées sous l’appellation de Membres invités, elles bénéficient ainsi d’un horaire défini par la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, leur donnant une visibilité maximale auprès de la presse internationale et des clientes couture.

Parmi les grands noms qui ont défilé sous cette appellation, on retrouve :

Imane Ayissi, qui de saison en saison nous invite à un voyage au cœur de ses origines camerounaises. Installé en France au début des années 90 et doté d’une double culture, le couturier imagine des vêtements multiculturels dans lesquels les influences africaines rencontrent les codes de la mode européenne.

La collection puise sa source dans deux pièces clés du vestiaire portées sur le continent africain : le boubou et le kaba, une robe ample à l’origine imposée aux femmes africaines par les colonisateurs européens au XIXe siècle pour couvrir leur corps et leurs formes, et qui est devenue une sorte de vêtement nationale au Cameroun.

En travaillant sur ces pièces, le couturier remarque des similitudes avec d’autres vêtements, tel que le Kimono asiatique pour le boubou, le Hanbok coréen ou les robes portées par les femmes en Chine pendant l’ère Tang, sans oublier les robes européennes de la fin du XVIIIe siècle et du début du XXe siècle. Ce sont ces liens, ces relations entre des éléments de cultures apparemment extrêmement différentes qui le fascinent et qui le poussent à imaginer un voyage entre l’Asie, l’Afrique et Paris à travers le temps.

Pour la création de certaines tenues, il s’associe au peintre Wang Ying pour des impressions sur soie et des tissus écologiques innovants à base de bambou, mais aussi des peintures sur tissu.

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Rahul Mishra a intitulé sa collection printemps 2025 « The Pale Blue Dot », une réflexion sur la Terre, la vie et la durabilité. À travers ses créations, il explore les enjeux des villes face à la pollution et au changement climatique.

Le défilé débute avec une cape noire, symbolisant une ville en mutation, suivie de silhouettes évoquant la dualité entre modernité et nature. Des miroirs ronds, ornés de monuments emblématiques comme la tour Eiffel et le Taj Mahal, rappellent que la nature reprend peu à peu le contrôle. L’inscription « Les objets dans ce miroir sont plus proches qu’ils n’apparaissent » souligne cette vision. Des motifs d’oiseaux, symboles de régénération, apparaissent sur les vêtements, alors que l’or se diffuse dans la collection, apportant une touche d’espoir. Mishra évoque l’idée d’un monde en équilibre entre progrès et nature retrouvée.

« C’est difficile de transmettre ce message à travers des vêtements », confie Mishra. « Mais il était essentiel de confronter cette réalité. »

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La collection de Gaurav Gupta, Across the Flame, raconte une histoire d’amour, de force et de transformation. Inspirée par l’accident presque fatal de Gaurav et sa partenaire Navkirat Sodhi, cette garde-robe symbolise leur parcours de guérison et leur voyage cosmique. Au cœur de cette collection, l’Astral Projection : une expérience spirituelle hors du corps que Gaurav et Navkirat ont vécue pour se réinventer. Chaque pièce raconte ce voyage, entre feu et lumière. Le Twin Flame ensemble en ocre incarne leur transformation, un clin d’œil à la chaleur de leur expérience passée.

Le métal devient sculpture : des plaques de métal bleu nuit en armure protectrice, mélangeant force et vulnérabilité. Le denim, comme chez Elie Saab (lien f-s) s’invite en haute couture avec le Bucket Corset et la Distressed Bucket Jacket, défiant les règles de la mode. Et le brocart artisanal de Banaras, avec ses chants sacrés, exprime la force et la paix retrouvées pendant ce chemin de guérison.

Gaurav Gupta déclare : « Cette collection est plus qu’une simple collection de mode. Elle montre la puissance de la transformation. Au-delà des flammes, nous avons trouvé une renaissance. »

Avec un savoir-faire unique, des broderies en raphia et perles microscopiques se mêlent aux ghungroo, ajoutant texture et mystère. Plus de 20 000 cristaux Preciosa viennent illuminer les créations. De nouvelles couleurs, comme l’ocre et le bleu crépusculaire, symbolisent la transformation, tandis que le noir, l’ivoire et les métallisés rappellent l’essence de la marque. Les bijoux, comme les boucles d’oreilles Chakra et les anneaux Infinity, sont une fusion d’avant-garde et de symbolisme céleste. Les talons René Caovilla viennent compléter cette esthétique audacieuse. Marieke Thibaut, maquilleuse chez MAC, explique : « Le look de cette saison est inspiré par la beauté de l’astral. La peau est illuminée, capturant la lumière de ce voyage spirituel. »

Et, comme toujours, la sculpture signature de Gaurav Gupta réunit l’art, la transformation et la résilience dans cette collection unique.

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Comme ses confrères indiens, le couturier japonais Yuima Nakazato s’inspire de la nature pour imaginer sa nouvelle collection « Fade« . Ce défilé, véritable immersion dans un univers poétique et minimaliste, marque un virage dans le travail du créateur, qui choisit de s’éloigner des explorations techniques qui ont marqué ses précédentes créations.

L’inspiration majeure de la collection provient du Sahara el Beyda, un désert mystérieux du Sahara oriental, anciennement un fond marin. Ce lieu à la fois impitoyable et d’une beauté rare devient le cadre idéal pour une collection qui fusionne l’aridité du désert et la poésie de la mode. Nakazato y trouve un terrain d’expression où la nature, dans sa plus grande pureté, se mêle à la mode dans une rencontre visuelle et émotionnelle envoûtante.

La palette de couleurs choisie est douce, presque éthérée, tandis que les textures organiques et les matériaux innovants, inspirés des paysages désertiques, dépeignent une réflexion profonde sur l’érosion et le passage du temps. Chaque silhouette semble évoluer sous l’effet du vent, comme une forme en constante transformation, se dissolvant lentement dans un monde qui semble suspendu.

Au-delà des silhouettes, le vestiaire se distingue par sa forte dimension narrative. Chaque pièce raconte une histoire de transformation, de disparition lente et poétique, en harmonie avec le concept de « fade », l’idée de s’effacer et de se dissiper, tout en laissant une empreinte fugace dans l’air. Nakazato parvient ainsi à fusionner l’éphémère et l’intemporel, l’art et la mode, pour offrir une expérience haute couture où chaque geste et chaque vêtement raconte un fragment d’histoire, un voyage dans le temps et l’espace.

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Zuhair Murad nous plonge dans un voyage exotique avec sa collection haute couture printemps-été 2025, inspirée d’une île imaginaire où la nature et la mode fusionnent. Les corsets allongés soutiennent des pétales délicats, tandis que des robes fluides et des jupes amples captivent par leur légèreté. Des broderies complexes et des couleurs vives comme le rouge et le vert rappellent la richesse d’un paradis tropical. Cette saison, le couturier libanais opte pour des silhouettes plus longues et élégantes, délaissant ses robes courtes signatures ultra sexy ou ses bodys brodés au profit de robes plus traditionnelles. Le tulle, la soie, les détails floraux et fruités viennent renforcer l’aspect féerique de la collection, célébrant une féminité à la fois sauvage et intemporelle. Une haute couture sensuelle, où chaque pièce incarne l’essence d’un rêve tropical.

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Le défilé Maison Sara Chraibi, intitulé Les Cieux, a transporté les spectateurs dans un univers céleste où la lumière divine danse avec les mythes antiques. D’origine marocaine, Sara Chraibi, qui signe ici sa sixième participation à la Paris Fashion Week, mêle tradition et modernité dans une collection sublimée par des tissus légers, des broderies délicates et des perles éclatantes. Chaque silhouette semble flotter, comme une étoile filante, évoquant une féminité mystique et intemporelle.

De son premier métier d’architecte, elle retiendra le sens de la rigueur et de la construction. Cette collection, tout en rendant hommage à ses racines méditerranéennes et nord-africaines, s’inscrit parfaitement dans les codes de la haute couture européenne, alliant maîtrise technique, élégance et innovation.

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Diplômée de la prestigieuse Central Saint Martins à Londres, Sohee Park, alias Miss Sohee, fonde sa maison éponyme en 2020, après avoir perfectionné son art dans le monde de la mode. Elle se fait rapidement remarquer grâce à sa première collection, « The Girl In Full Bloom », qui incarne la métamorphose de la fille en femme. Avec des traînes majestueuses, des crinolines et des ornements floraux, ses créations captivent par leurs volumes spectaculaires et leurs détails raffinés.

Cette année, Miss Sohee fait ses débuts au calendrier de la haute couture, un moment charnière qui confirme sa place dans l’élite de la mode, promettant une haute couture poétique et théâtrale. Sa collection printemps-été 2025 rend hommage aux codes traditionnels de la haute couture, tout en mêlant influences modernes et détails contemporains. Chaque silhouette se transforme en œuvre d’art, où le cuir sculpté par Robert Mercier, et les formes surréalistes, inspirées par la nature, révèlent une maîtrise exceptionnelle de la matière.

La culture coréenne fusionne avec une vision moderne, équilibrant subtilement modestie et sensualité. Jupons, corsets et drapés de soie dévoilent des gestes d’élégance et de mystère. La palette de couleurs, associant tons doux et accents noirs, met en lumière la silhouette de la mariée, symbole de pureté et de grâce. Un hommage à l’art coréen s’exprime à travers la technique Najeonchilgi, incrustant de la nacre dans des corsets et accessoires ornés de flore et faune. Inspirée par le Minhwa, la collection réinvente des silhouettes traditionnelles, où cristaux Swarovski et perles se mêlent aux formes sculpturales. Les jupes Hanbok sont modernisées, tandis que des vestes et blazers sculptés sont sublimés par des broderies délicates. Les pièces de tête, inspirées des impératrices coréennes, créent un pont entre tradition et modernité.

Cependant, à l’exception des cuirs remarquables qui, heureusement, apportent une touche de modernité, l’ensemble de la collection manque de dynamisme, restant figée dans des codes classiques qui, bien que raffinés, n’ont pas su se renouveler. Certaines créations paraissent presque démodées, donnant l’impression d’une couture trop ancrée dans le passé, loin d’une vision audacieuse et avant-gardiste de la haute couture.

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Les maisons Georges Hobeika, Julie de Libran, RVDK Ronald Van Der Kemp, Aelis, Ashi Studio, Juana Martín, Peet Dullaert ont également présenté durant cette semaine, ainsi que la jeune marque Germanier, qui a défilé pour la première fois au calendrier de la Haute Couture, avec une collection magistrale, qui lui permettra très certainement s’il continue son travail de recherche sur le vêtement, d’accéder à la consécration de l’obtention du label.

 

Frédéric Blanc

 

About Fred

Frédéric Blanc, styliste photo, attaché de presse et fashion éditor de Fashion-spider, le magazine spécialisé mode et beauté, fait partie des figures incontournables de Paris.

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